自從提出關於實現中華民族偉大復興的中國夢以來，文化界諸多活動都冠在“中國夢”之下，例如第十二屆全國美展，有評論便稱“這是美術界的中國夢”云云，但仔細想來，這“夢”中間諸多成分並不是中國的，或不完全是中國的。
西洋畫做不成“中國夢”
全國美展分類十三，除了綜合類，繪畫有國畫、油畫、版畫、水彩水粉、雕塑等五六類，屬於“中國”的只佔五六分之一，這是慣例，歷屆美展基本如此。可是我想不通的是，這是在中國，在獨立自主的並非半殖民地的中國，中國政府出錢舉辦自己的展覽，可自己的藝術卻只佔十三分之一的份額!記得澳門慶迴歸辦展覽，分類者三：一曰中國畫、二曰西洋畫、三曰書法，一個被殖民了百年的澳門是這樣做的!
我不能不痛苦地告訴大家，那西洋畫無論如何也是做不成“中國夢”的!何況，人家西洋畫復興的“洋夢”早在五六百年前歐洲人就做過了，那叫做歐洲的“文藝復興”，才使得我們認爲他們的纔是普世的，才使得輪到我們做“中華民族復興的中國夢”的時候，有人還誤把這“洋夢”當作自己的“中國夢”來做呢!
即使中國畫部分，嚴格意義上說也相當一部分已經不“中國”!這問題已經有諸多討論，甚至有人說出“如果再這樣展覽下去，中國畫就沒有了”——這似乎有些危言聳聽。
大家都在說中國畫的“寫意精神”沒有了，其實“寫意精神”四字要拆開分兩段說，一個是“寫意”、一個是“精神”。首先是“寫意”沒有了，大家統計展覽的寫意畫很少，而且得不了大獎，這是事實;我說更嚴重的是“精神”也沒有了。什麼精神?“中國精神”!中國畫講究詩情畫意，我們沒有了詩情，請問時下有哪幾位畫家還能謅幾句詩?不單單說畫家，我們國家現今還有詩人嗎?中國是一個文化大國，曾經是一個詩的大國，可是現在詩沒有了!我不知道該怎麼評價沒有了詩意的中國畫。沒有了詩意，便只能見雞畫雞、見狗畫狗，意之不存如何去“寫”?更不用說我們也丟掉了書法，寫意之“寫”也沒了，只能描、摹，這樣一來“寫意”何存?!
說不清從什麼時候開始，中國畫的評價標準變了，變成西畫的標準了，什麼“構圖、透視、比例、結構、調子……”我們的畫人已經不知那個統領了中國畫一千六百多年的“六法”爲何物、不知道“六法”之首的“氣韻”爲何物，中國畫崇尚的詩、書、畫、印“四絕”，現在是一缺三，詩、書、印皆缺，所剩的“畫”也只是用毛筆畫素描罷了，難怪有人評論現在的中國畫僅剩下材料是中國的了!
中國畫的一個重要部分——題款，基本“淡出”了，這次中國畫展覽獲獎作品中，大部分都沒有題款，有題款、書法沒有錯別字、有鈐印者，大約十幅左右，約佔十分之一，還不能再要求題款的位置要妥當、書法要基本說得過去、字體要大體合適。
潘天壽先生曾經批評中國人物畫素描式有光影的臉，要他們“把臉洗乾淨”!請問現今之中國人物畫壇，還有幾張“乾淨的臉”?!
更不用說，還有更加激進的畫人，在進行“水墨實驗”，他們革了毛筆的“命”，在吸水和不吸水的紙上，胡塗亂抹那些他們所謂的“現代水墨”……
我不禁要問，我們民族引以爲自豪的中國畫還是“中國的”畫嗎?!
張大千潑墨國畫山水2014年末，水墨作品市場開始出現下行趨勢，而早在2014年初水墨被市場炒得火熱之際，就有人對此不看好，當時較多的人覺得水墨最多能火兩年，然而所有人意想不到的是“水墨熱”匆匆一年便偃旗息鼓了。
“水墨熱”退潮的原因很多，而“水墨熱”本身也包含了至少兩個層次：一是傳統的名家書畫，主要對應禮品市場;二是以青年藝術家創作爲主體的“新水墨”，主要針對短期投資性市場。
關於“水墨熱”的降溫，很多人認爲是源於“反腐”，“反腐”可以稱得上是對不健康市場的致命一擊，但更爲深刻的是，這次水墨市場的調整並不是簡單的價格波動，而是市場結構的根本性調整，甚至可以說，藝術品市場的調整本身不存在什麼特殊性，它不過是整個社會經濟結構調整的一小部分而已。
許多人心裏應該明白，名家書畫市場是到了2009年之後的這5年纔出現了飛速增長，這5年中，有些人的作品價格翻了50倍，但這50倍中有多少水分?這幾年名家書畫的飛速增值，並不是因爲這些作品的學術含金量，更不是由於投資者審美水準的.提升，很大程度上是依託於房地產的紅火。顯然，名家書畫高歌猛進的這5年也正是房地產一枝獨秀的5年。許多地產商爲了商業運作、送禮和拿文化用地的需要，便以展覽的名義收購名家作品，也正是因爲這一需求使名家書畫有了井噴式的增長，有人認爲名家書畫有朝一日還會漲回來，但筆者的看法是，其價格即使回漲也不會像2013年前後那樣。
前些年依託商業運作的藝術品大手筆已經一去不復返了，但它讓許多機構、協會、藝術家習慣了這種手筆。舉個例子，某公司想要策劃一個展覽，給某學會提供了一個展覽方案，那個學會看過方案之後質疑的不是這個方案有沒有學術性，而是質疑這個公司是否有幾百萬元，甚至上千萬元的展覽預算，因爲要邀請名家、購買作品。在地產、能源利好的時候，幾百萬元、上千萬元做一個展覽收購些作品自然不是問題，然而當這些行業都現金吃緊時，誰還會拿那麼多錢做展覽買作品呢?
“新水墨”的市場高潮，可以說是來也匆匆、去也匆匆。雖然很多人於此獲利，但也有人一開始就對“新水墨”不看好。“新水墨”的操作模式和幾年前的當代藝術如出一轍，一年多前筆者曾撰文說“新水墨”會步當代藝術後塵，只是沒想到其消散得比當代藝術還快。
在筆者看來，目前的藝術品市場是極不健康的，因爲幾乎所有人購畫的目的都是爲了升值，與其說這是投資倒不如說是投機。在這種心態和操作模式之下，是不是水墨、是不是藝術品顯然不是最重要的。
就當下而言，藝術品市場與股市等其他行業無異，其實最後都是用金融的方式講一個好故事，然後說服一批人拿錢跟莊，最後莊家賺錢，散戶埋單，但這並不是藝術品市場本身的問題，也許這就是現代社會一個最普通不過的經濟法則，筆者認爲，就藝術品市場而言，進入者要先想想自己的目的，是收藏、投資還是消費，這是完全不同的3個概念和3個層次。我們不能要求一個人花幾千元買一張消費型的作品指望投資升值，而藝術品市場也不能簡單侷限於倒買倒賣的環節。簡單的炒作倒賣雖然繁榮了經濟，促進了流通，但對一個市場的長遠發展和機制建立毫無意義，其帶來的都是社會消解功能，不可能貢獻出建設性的價值。
在今天這種簡單的市場操作模式下，藝術家租一個工作室，把自己關起來“創作”，但創作是爲了什麼呢?爲了銷售。其實我們拋開藝術家的頭銜，以及創作這樣高大上的詞彙，藝術家不過是一個現代經濟社會中的生產商，而機構都是中介和經銷商，只可惜，一切市場機制沒有完善，所有行業行爲都沒有準則，一個環節壞了，整個市場機器就可能癱瘓。
在“反腐”的打擊下，名家書畫紛紛回落。名家書畫與貪腐扯上關係，自然需要打擊，但法律的歸法律，市場的應該歸市場，如果我們叫好的原因僅是因爲打擊了高價位書畫，其實這隻需向藝術家徵所得稅便可以了。說到底，市場不應因政治而興廢，而應建立合理的稅務制度去規範。
事實上，藝術家成爲生產商或資本家化本身在市場經濟中不是什麼問題，因爲這就是一種簡單的供需關係，但這些問題應該讓市場本身去調節或解決，從而健全一種自由的市場機制。
藝術品應該在市場機制中迴歸到本有的消費環境，喜歡就去買，有能力就收藏，將消費交給這些大量生產型的藝術家，而將收藏讓位於那些具有藝術史野心和理想抱負的藝術家，這是一種理想的狀態，但也是一種讓社會迴歸理性的必要提醒。
其實，藝術品市場的調整不過是整個經濟環境的一個小環節，但這次調整已不是價格的漲跌問題，恐怕這將改變藝術行業的格局，甚至關乎許多藝術機構的存亡。我們唯一能做的是不要去做那些價格在明年還會漲得更高的白日夢，而是跟隨這種變化，去適應它，並推動自由市場機制的建立。
在信息技術讓一切變得越來越透明的時代，藝術品的價格和交易記錄也變得毫無祕密。一個人可以從畫廊、博覽會買畫，也可以在微信、藝術家本人甚至電商手裏買畫，失去了倒賣價差空間的利潤，玩的人自然也就失去了興趣，於是，市場之前不透明的規則被打破了。此刻，不應去埋怨這些打破規則的技術，或是埋怨哪個環節的人破壞了規矩，而是在這種透明的信息時代，亟須建立一個更能符合時代需要的市場規則。
不像中國畫的中國畫時下關於中國畫的展覽不少，形形色色，各有特色。在這個範疇裏，若不是很強調傳統寫意或者當代工筆之類的展覽的話，的確令人難辨“純種”中國畫的影子!很多展覽中出現了不是標準的工筆畫法，又絕非水墨或水墨寫意作品，有的作品直接用色彩描繪，或多肌理製作，也有水墨裝置觀念，甚至在屏幕上播放……等等，依我看，時下有很多中國畫展乾脆就改爲水墨畫展了，似乎更爲輕鬆些許。
至於像與不像中國畫，這是個習慣問題——因爲在所謂的水墨圈中，“習慣”已經成爲左右我們判斷繪畫的唯一根據。通常意義上的“慣”是什麼呢?查史明理，國畫一詞，起源於漢代，漢朝人認爲中國是居天地之中者，所以稱爲中國，將中國的繪畫稱爲“中國畫”，簡稱“國畫”。主要指的是畫在絹、宣紙、帛上並加以裝裱的卷軸畫。國畫是漢族的傳統繪畫形式，是用毛筆蘸水、墨、彩作畫於絹或紙上。工具和材料有毛筆、墨、國畫顏料、宣紙、絹等，題材可分人物、山水、花鳥等，技法可分具象和寫意。中國畫在內容和藝術創作上，體現了古人對自然、社會及與之相關聯的政治、哲學、宗教、道德、文藝等方面的認識。
每每我們看到的評論國畫的文章，必牽涉到的理法、文脈、畫史、風格等，或再談，一上來就是那隨口可數得的幾位大家，數來數去，比來比去，多成習慣，難免套路遵循之，不輕易談之。再往下細談就是老生常談的筆墨、筆法等諸多問題了。如此一說，中國畫總要圍繞這類型的問題才能下論，關於中國畫的創作，能不能談點別的呢?
再到剛落幕的“第12屆全國美展”中國畫展場上，該展不僅表現了五年來中國畫創作的主要成果，而且也反映出當代中國畫發展的主要問題，展覽中有專家指出：中國當代國畫創作卻開始慢慢將傳統丟失，重創新，輕傳統;重工筆，輕寫意;重人物，輕山水，傳統且具有震撼力的畫作越來越少，國畫中所探索的“筆墨”、“氣韻”也慢慢爲之淡化，無疑是中國畫創作的一種悲哀。“正本清源”——對中國畫寫意精神的重視亟待解決。往下強調：中國寫意畫之“意”、中國寫意畫之“寫”、中國寫意畫之“氣”一一述來，如此才中國畫?人們各抒己見。問題來了，如果畫家不按如此之寫意就是一種悲哀嗎?與之不像又何妨??再延伸到當下其他畫種所遇同樣的問題，如：水彩沒有水味，油畫沒有油性、雕塑不爲雕，亦不塑，多有人爭論云云。如此問題，早在第十屆全國美展中，藝術評論家陳履生指出：“雖然，很多人不願意提區別和界限的問題，因爲，這是一個自找麻煩的事情，而且實際運作的時候也有困難，像現在這樣不區分一樣，同樣會引起爭議。可是，它又不能迴避，我們總不能眼睜睜地看着把中國畫塑造成一個‘四不像’，不僅像油畫、版畫、水彩畫、漆畫，也像日本畫。現在的中國畫已經是一個無所不包的大倉庫，只要是畫都可以往裏面裝，真正變成中國人畫的畫就是‘中國畫’。”
當然，中國畫如何呈現多視角審美?這個問題是所有傳統的中國文化樣式都面臨的共同課題。解決這個問題，並非一蹴而就，就歷史而言，自中國畫誕生以來，就是在探索和創新中前進，並留下一整套跟中國社會相聯繫發展的歷史經驗，不同的歷史時期中實現自身文化價值構建，在每個朝代都有其鮮明的時代特點，或是經典或是力作，不能照搬。正如宋人如何看唐畫，清人如何看宋畫，近代人如何看古人畫，近30年以來中國畫的發展也如此。無論是“85美術新潮”“實驗水墨”還是“傳統迴歸”，使人們似乎覺得，在多變的文化語境下和不同的藝術視覺體驗之後，一門藝術樣式也隨之自覺呈新，而中國畫也正在這種轉換中相應發生了概念變化，以至逐漸形成我們今天學術界所大體分爲的中國畫保守型，創新型，現代型的創作羣體。
“像不像中國畫”只能束縛畫家創造的手腳，壓制畫家的探索精神，阻礙中國畫向多元化發展。藝術創作素來是以多元個性共生的生態鏈爲上，中國畫的創作同樣亦非在同一張宣紙、一枝毛筆、一錠墨上作出某種程式爲高，而是尊重畫家自我的視覺體驗和對當下文化的感受、判斷。或許，正是這種“像與不像”的區別和界限中游離，畫家每一次的創作都無法“慣”出來。無論未來如何，觀者可能更多期盼的是畫家能給我們創造出一幅與衆不同的中國畫，變則興，不變則衰——這是一個樸素的道理。
至於不像中國畫的“中國畫”，由觀衆來說吧。千萬別說：你的就是中國畫，人家的就不是。
