讓·奧古斯特·多米尼克·安格爾出生於法國蒙託，是一名畫家。下面是本站小編給大家整理的安格爾的繪畫特點簡介，希望能幫到大家!
安格爾並不是生硬地照搬古代
大師
的樣式，他善於把握古典藝術的造型美， 把這種古典美融化在自然之中。他從古典美中得到一種簡練而又單純的風格，始終 以溫克爾曼的“靜穆的偉大，崇高的單純”作爲自己的原則。他的繪畫吸收了 15世 紀意大利繪畫、古希臘陶器裝飾繪畫等遺風，畫法工緻，重視線條造型，因而差 不多每一幅畫都力求做到構圖嚴謹、色彩單純、形象典雅，這些特點尤其突出地體 現在他的一系列表現人體美的繪畫作品中，如《泉》、《大宮女》、《瓦平鬆的浴 女》、《土耳其浴室》、《荷馬的禮讚》、《後宮佳麗》、《加拉的玻林娜•埃蓮 諾爾》、《莫第西埃夫人》等。
1805年，安格爾完成了《裏維耶夫人肖像》一畫，這幅肖像在色彩方面無疑也 是安格爾的傑作之一。勻整的顏色如同鑲嵌一樣和諧地結合在一起，色彩顯示着形 體，帶有某些起伏的暗示，但沒有求助於陰影。身體和衣服用象牙白突出出來，組 成畫面的受光部分，深藍色的沙發則組成畫面的陰影部分。這兩種顏色都被納人黑 色的背景。紅、黃兩色的小小變化無害於整體效果。個性和樸實的表情、明暗和單純——使這幅肖像別有一種優美滋味。
純正浪漫主義者安格爾安格爾崇拜希臘羅馬藝術和拉斐爾，和大衛一樣捍衛古典法則，但又對中世紀和東方異國情調錶現出濃厚的興趣，因而被一些藝術史家戲劇性地劃入浪漫主義畫派。
安格爾是一個對自然崇拜得五體投地的多情者。安格爾在向希臘人和拉斐爾討教之前，先學習了自然。他曾斷言：“希臘人就是自然;拉斐爾之所以是拉斐爾，就是因爲他比別人更瞭解自然。”不過，安格爾並不能完全放棄明暗的處理，他還使用很強的，鮮豔得過分而不真實的顏色，以彌補作品色彩的冷淡。在這種情況下，我們看安格爾的畫通常會有這樣的感覺：線條畫得太乾淨了。正是這種線條的乾淨把安格爾引向抽象，會使畫面毫無內容，但爲了表現明暗和反射(使作品富有內容)，他也會把線條打斷，使之帶有“繪畫性”，可是在這種有如金屬一般堅硬的“繪畫性”中，卻沒有一般“繪畫性”所必不可少的那種流暢和“靈魂”。如創作於1819年的《保羅與弗蘭西斯卡》。當他的線條變得過於準確時，他就以細節來壓倒它，畫上一堆純屬低級的趣味的裝飾物。但當他模仿提香時，那簡直就是拉斐爾，這時的作品就成爲珍貴的傑作。當他初訪羅馬之後，他又完善了自己的繪畫風格，越來越多的傑作出現了，他的藝術也到達了鼎盛期。
安格爾代表作品《莫特西埃夫人》
有的史學家盛讚安格爾：他的肖像畫成就就是他最大的豐碑，這話是不錯的。只要看看這幅《莫特西埃夫人》，便可見其名不虛傳。灰褐色的牆壁，陪襯着黑色衣裙、白皮膚的莫特西埃夫人，這種由黑、褐兩色構成的沉穩基調，對比出夫人高雅的氣質與穩重的性格。畫面因此顯得凝重大方，主題突出。
《朱庇特與海神》
是充分衡量安格爾構圖優缺點的一個很好的標尺。如果把海神這個形象取掉，這幅畫就會變成一幅細節刻畫完備無缺的平常的學院創作。嚴格的理論原則和驚人的輕巧手法在這裏匯爲一體;但是，這樣的結合產生不了真正的藝術。幸而畫中有海神這個形象。這一形象的姿態之做作是明顯的，她的色彩也很不得力，但安格爾卻在海神身體的“平面和圓面”的交替中表現出他的激動。海神的兩隻手和整個身體都表現着溫存。在這種姿態中，她的身體已經成了聽命於美學而非服從於感官的形象象徵。
“裏維耶夫人肖像”
1805年，安格爾完成了“裏維耶夫人肖像”一畫，這幅肖像在色彩方面無疑 也是安格爾的傑作之一。
勻整的顏色如同鑲嵌一樣和諧地結合在一起，色彩顯示着形體，帶有某些起伏的暗示，但沒有求助於陰影。身體和衣服用象牙白突出出來，組成畫面的受光部分，深藍色的沙發則組成畫面的陰影部分。這兩種顏色都被納入黑色的背景。紅、黃兩色的小小變化無害於整體效果。個性和樸實的表情、明暗和單純——使這幅肖像別有一種優美滋味的就是這些。
這幅作品於1806年在沙龍中展出，但是它“獨特的、革命的、哥特式的”風格特點招來了許多批評家的憤怒。事後，安格爾去了意大利，在那時奉承研究15世紀的佛羅倫薩繪畫，目的是要把自己的風格提高到文藝復興時期的水平和改造當時的繪畫。他曾說過：“藝術發展早期階段的那種未經琢磨的藝術，就其基礎而論，有時比臻於完美的藝術更美。”那時他被中世紀的藝術所深深吸引。
《土耳其浴女》
如果說《保羅與弗蘭西斯卡》不是一件成功之作，那麼《土耳其浴女》則是安格爾的優秀創作之一。畫中的裸體組成了一箇中間性的基調，小小的藍、紅、黃各色斑塊，如寶石一樣嵌綴其間，只是稍顯模糊，但非常和諧一致。在女性美的表現上，安格爾克服了他那種感官上的愛好，賦予了它以傳奇的魅力。這幅畫反映了安格爾藉助衆多的“潔淨”、“洗練”優美的人體來表現一種單純與豐富、動態與靜態的完美結合。每個浴女是一種“洗練”和“潔淨”的形式，衆多的“洗練”和“潔淨”結合在一起就使得形式更爲豐富。這冷靜、幽雅精於用線和微妙的明暗色調來體現人體表達方式，是來自古典主義的傳統;但是，這種真切而又超越真實，單純而又變化豐富，柔美而又不柔弱甜媚的抽象意味，以及作品中所流露出來的濃郁的東方情調，是傳統的古典藝術中所從未有過的。
《瓦平鬆的浴女》
安格爾把對古典美的理想和對具體對象的描繪達到了完美統一的程度。在安格爾畫的所有描繪女子裸體的油畫之中，《瓦平鬆的浴女》和《泉》無疑是最好的二幅。《瓦平鬆的浴女》作於1808年，安格爾時年28歲。美妙的女子背影使他激動得竟至無暇過多顧及技術。半明和半暗的調子在這柔嫩的背上顫動着。色彩雖然相當原始，卻也不無悅人之處。綠色的簾子、淺黃色調的身體、白色的牀單、白色帶紅的綢頭巾一一全部安排在一個平面上，如在鑲嵌飾物中一樣和諧地交織在一起。
《泉》
安格爾從1830年在意大利佛羅倫薩逗留期間就開始創作《泉》，但一直沒有完稿。二十六年以後，當他已是七十六歲高齡時才畫完此畫。這幅畫是安格爾的得意之作。“泉”把古典美和女性人體的美巧妙地結合在一起。出色地表現了少女的天真的青春活力，是他畢生致力於美的追求的結晶。這雖是他晚年的作品，但所描繪的女性的美姿卻超過了他過去所有的同類作品。“泉”也是西歐美術史上描寫女性人體的優秀作品之一。由此可見，安格爾的造型力純粹是對現實的一種感性的佔有，在他的構圖創作中，只有當他的可能拜倒於女人面前時，他才創造了真正的藝術作品。
此品美在靈透自然，純真無邪，西方少女的純美於此一覽無餘。她給人以無限的遐想，不盡的懷思。
安格爾一生中在裸體素描上下過精深的功夫，而且只有當他面對裸體模特兒時，他的現實主義真知灼見才特殊地顯現出來。他曾說：“標準的美——這是對美的.模特兒不間斷觀察的產物”，還認爲：一幅畫的表現力取決於作者的豐富的素描知識;撇開絕對的準確性，就不可能有生動的表現。掌握大概的準確，就等於失去準確。那樣，無異於在創造一種本來他們就毫無感受的虛構人物和虛僞的感情。
這位古典主義繪畫的末代風流畫家，吸收文藝復興時期前輩大師的求實的技巧，使自己的素描技巧發揮到爐火純青的境地。這裏所不同的只是，象馬薩卓、米開朗基羅、喬爾喬奈等大師的裸女體現的是一種充滿人性的時代理想，而安格爾在裸女上所寄予的理想，則是“永恆的美”這一抽象概念。究其實，乃在於尋求以線條、形體、色調相諧和的女性美的表現力。這在他那些描寫土耳其宮女的裸女畫上尤爲明顯。晚年，安格爾畫了這一幅《泉》，則進一步反映了畫家對美的一種全新觀念，那就是他深深覺得用精細的造型手段創造一種抽象的古典美典範的必要性。76歲高齡的安格爾，終於在這一幅《泉》上，把他心中長期積聚的抽象出來的古典美與具體的寫實少女的美，找到了完美結合的形式。
他在這幅畫上展示了可以得到人類普遍讚美的美的恬靜、抒情和純潔性。有一位評論家參觀了《泉》後說：“這位少女是畫家衰年藝術的產兒，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她們各自的美於一身，形象更富生氣也更理想化了。”《泉》大概在意大利佛羅倫薩時就開始醞釀了，那是在1820年的事，爲什麼事隔36年後才最終完成此稿呢?這還得從他的學生保羅·巴爾澤和亞歷山大·德戈弗兩人說起。最初在安格爾心中構思的“泉”，是仿效意大利大師們在畫維納斯時的願望，他早在1807年就畫過一些草圖，後來不滿足前人已畫過的“維納斯”樣式，企圖使形象更單純化。有人認爲這幅畫最初是由上述兩個學生協助完成的。安格爾經常在同一主題或構思中進行復制，有時花上幾年甚至幾十年工夫。
